Franck Debosque

Historien de l’art, photographe, écrivain-poète, musicien

Né en 1974 à Lille, Franck se forme d’abord en histoire de l’art. Après un mémoire de Maîtrise consacré au peintre allemand Gerhard Richter, il entame un projet de thèse sur la photographie contemporaine, avorté, car il partait pour Rennes commencer une nouvelle vie. À force de côtoyer les œuvres des photographes, passer à la pratique le démangeait : en 2004, il commençait la photographie. Son style encore assez classique y était déjà marqué par un goût pour les contrastes et les ambiances un peu étranges.

Il mit longtemps sur pause cette activité, explorant d’autres domaines, comme la musique et l’écriture. Il y revenait par la photo de rue, voilà deux ans. Très vite son regard a naturellement glissé, des portraits d’inconnus, vers les ombres, les contrejours, les reflets, les flous. La photographie est d’abord pour lui une manière d’être au monde, un outil qui l’aide à être présent dans l’ici et maintenant, et à voir l’esthétique dans le quotidien.

Parallèlement à ses photographies de rue, d’autres projets explorent plus encore les seuils de la vision. Ses quasi-monochromes par exemple, sont des images extrêmement sous-exposées au point de n’apparaître d’abord que comme des surfaces noires. Il faut s’y attarder, et c’est après un temps d’adaptation de la rétine que des formes, des couleurs émergent du noir (dans sa série Espaces oubliés, des espaces liminaux, dans ses Autoportraits, les veines et la texture de sa peau). Exiger du temps, de la patience de la part des spectateur·ice·s : c’est un peu un contrepoint à notre monde saturé d’images que nous consommons vite et mal.

Cette année, un nouveau projet pousse encore plus loin cette esthétique de l’apparition : dans une interrogation sur l’essence de la photographie, celle-ci y est à la fois exposée et non-matérialisée. Du moins… pas sous la forme à laquelle l’on s’attend. Mais loin de la froideur théorique de l’art conceptuel « historique », ces travaux revendiquent aussi une composante émotionnelle : par le recours à l’imaginaire, par la tension qui réside entre absence et présence…

Son écriture prolonge cette sensibilité. Ses micropoésies, de courtes proses cherchant le rythme plutôt que la rime, évoquent parfois le haïku par leur brièveté, mais s’en éloignent par leur ton intime. Elles explorent souvenirs, vulnérabilités, nos névroses contemporaines… Il aime les présenter encadrées, comme des images : des photographies immatérielles, projetées dans l’imagination des spectateur·ice·s. Ses textes prennent parfois une forme plus longue, entre prose et poésie, marquée par la technique du flux de conscience et une recherche de musicalité. La musique, justement, et plus généralement le travail sur le son, occupe également une place essentielle dans son travail. Elle commence par le bruitisme, puis, en 2020, explore les frontières entre audible et inaudible autour des infrabasses et champs électromagnétiques. En 2022, il travaille le violoncelle, exploitant ses capacités à produire des sons déchirants, frottés, glissants, modulés par les effets. À partir de 2023, il se tourne vers des compositions plus tonales et atmosphériques, dominées par le piano, les synthétiseurs et, plus récemment, la guitare. Ces instruments se mêlent à des voix samplées, des dissonances, des sons urbains ou naturels. Il développe actuellement un projet de mise en son d’expositions : Herbarium (2025), pour Esther Stevens ; Immersion (2026), pour Philippe Bailly ; Peaux de la ville (2026), pour Esther Stevens et lui-même. L’image. Les mots. Le son. Ces trois médium, loin de constituer un éparpillement, lui permettent d’explorer différentes variations d’une même sensibilité, et de répondre à son besoin de créer, de s’exprimer. À l’exception d’un accrochage de ses photographies d’alors, en 2004, dans un bar de Rennes, Peaux de la ville est sa première exposition.